Dans les années 1940, Hans Richter ne peint pas pour “continuer” une carrière: il peint pour survivre intellectuellement au siècle. 

Exilé aux États‑Unis, il y arrive avec un bagage historique — expressionnisme des années 20 ,  Dada à Zurich, abstraction rythmique, cinéma expérimental. 

Richter se retrouve au cœur d’un mouvement où tout se recompose: les réseaux européens se déplacent, New York change d’échelle, la guerre a laissé une onde de choc et la guerre froide impose déjà ses récits. 

Cette décennie n’est pas pour lui un chapitre de plus: c’est le point où l’art redevient pour lui une nécessité absolue.

Mais que fait donc une sculpture de Henry Moore sur la promenade de l’observatoire à Genève ?

Lui dont on ne compte que de trop rares sculptures dans les collections publiques suisses.
C’est une question que je ne me posais jamais, quand enfant, sur le trajet de retour de l’école, je m’arrêtais pour jouer à grimper sur ce géant en bronze, sans douter de l’évidence de sa présence.

Quelques 30 ans plus tard, sans plus grimper dessus, hélas, je me la pose.

Et si la nourriture était en train de vivre ce que l’art a déjà vécu:
provenance sacralisée, rareté organisée, éditions limitées, marché secondaire ? 
Les signaux sont riches d’enseignements et disent beaucoup de nos mécanismes sociaux.

Mange-t-on encore… ou acquiert-on ?
Cherche-t-on un goût, ou un accès ?
Et surtout: quand le goût devient rare, que devient-il socialement ?

C’est à travers les notions de méditation bouddhiste, d’universalité, de nature, d'harmonie que l'esthétique coréenne se révèle et se réinvente.

Chez Sangwoo Kim, elle prend la forme de sculptures aux formes pures revisitées basées sur la nature, les montagnes, l'océan, le vent, réalisées avec des matériaux et des techniques puisés dans une longue tradition ancestrale!

Un des points remarquables communs aux artisanats traditionnels coréens, est la notion de temps: ces techniques nécessitent du temps qui commence avec l’apprentissage et se retrouve dans l’élaboration de l’oeuvre à travers l’accomplissement de soi, mais que l’on retrouve également à travers les exigences du matériau et la multiplicité des étapes seules garantes d’une solidité et d’une pérennité quasi millénaire.

"Le sommeil de la raison produit des monstres…" Citation tirée d’une Eau forte de 1799 de Goya.

Le film «  le labyrinthe de pan » de Guillermo del Toro, est un exemple remarquable de l’utilisation de l’oeuvre d’un maître de la peinture par un metteur en scène pour servir ses propos de réalisateur.

Ainsi « le Labyrinthe de Pan », est une oeuvre complexe qui dépasse de très loin les stéréotypes classiques du film fantastique: il est à la fois un film sur le régime franquiste de la fin de la guerre civile espagnole, un conte de fée imaginant la chute d’Alice non pas aux pays des merveilles mais dans un puit noir et sinistre et surtout un film d’horreur.

Fusionnant le fantastique et le réel et baignant son oeuvre dans une atmosphère lugubre et irréelle, Guillermo del Toro puisera son inspiration dans les peintures noires de Francisco de Goya.

À la mention des ports francs, la question de sa définition revient inlassablement :
«Mais qu’est donc un port franc ? »                

Cette interrogation récurrente trahit une difficulté persistante à cerner la nature exacte de ce phénomène et dévoile une fonction rhétorique qui dépasse la simple réalité économique. Dans son acception la plus répandue et partagée, les ports francs sont des espaces singuliers où les marchandises peuvent être importées, entreposées et réexportées sans être soumises aux droits de douane.

Ludwig Borchardt (1863-1938) était un égyptologue et collectionneur allemand.
Après des études d’architectures et d’égyptologie il se rend en 1895 au Caire et rédige, avec Gaston Maspero, le catalogue général du musée du Caire. 
Ce catalogue est encore un ouvrage de référence.
Il entreprend des fouilles à Amarna, où il mettra à jour l'atelier du sculpteur Thoutmosis. Il y découvrit notamment le célèbre buste de Néfertiti (aujourd'hui conservé au Neues Museum de Berlin). 
Collectionneur érudit et éclectique, il  épouse Emilie (Mimi) Cohen, petite fille de Abraham Kuhn, l’un des fondateurs de la banque Kuhn, Loeb & Co. À New-York.

En 1908, à 27 ans, Erich Hermès a déjà un joli palmarès derrière lui. Doté de multiples prix et bourses divers, de retour à Genève après une période consacrée aux voyages l’ayant mené à Paris, en Allemagne et en Italie, Erich Hermès se voit confier d’importantes commandes tant privées que publiques.

C’est dans ce contexte fertile que l’artiste nous livre un projet qui résume ses influences hodlériennes, la puissance de son expression esthétique, sa sensibilité à la relation Beaux-Arts et Arts appliqués dont il réfute la distinction et son goût pour les contrastes de couleurs qui marqueront durablement son oeuvre.

Si vos pas vous ont déjà mené à Genève, peut-être avez-vous traversé le parc des Bastions et vous êtes-vous retrouvé devant cet impressionnant mur de 120 mètres de long à contempler ces larges silhouettes à l’allure si imposante voire martiale.

Peut-être alors vous êtes-vous demandé le pourquoi, le quoi et le comment d’un monument d’une telle ampleur?

La villa Cavrois, érigée de 1929 à 1932 à Croix dans la région de Roubaix-Tourcoing, est le produit de la rencontre entre deux hommes. Deux hommes provenant d'univers bien différents mais qui auront vocation à se réunir autour de ce projet monumental: l'architecte Robert Mallet-Stevens, un des chefs de file du mouvement moderne, cofondateur et premier président de l'Union des Artistes Modernes (UAM) créé en 1929 et Paul Cavrois, père d'une famille de sept enfants et propriétaire de la société de textiles Cavrois-Mahieu détenant cinq usines de textile à Roubaix, employant 700 personnes.

Les années Post-Covid ressembleront-elles aux années 1920, aux années folles ?

Il ne s’agit pas pour nous de trancher un débat que seul le marc de café pourrait régler.

En revanche, les similitudes entre les deux époques sont riches d’enseignements et permettent d’imaginer notre rapport à l’art et l’évolution de notre futur « art de vivre » post-Covid.

Aujourd’hui nous partirons en Lozère, puis à Berne, à Paris, en villégiature dans les Hamptons et enfin à Lausanne à la recherche du « Musée Idéal » en compagnie de Jean Dubuffet et des création de l’Art Brut.

Comme on l'a vu précédemment, le XIXe siècle est témoin d'une évolution remarquable dans le traitement des animaux dans l'art. L'accessibilité inédite à ces derniers permettant une meilleure connaissance de leur anatomie et les recherches sur le mouvement ouvrent considérablement les champs de représentation.

L'émergence au XIXe siècle des parcs et jardins zoologiques va rendre nombre d'espèces animales beaucoup plus accessible à l'oeil humain, que ce soit celui du promeneur, du scientifique ou de l'artiste. C'est grâce à cette accessibilité qu'il est désormais possible de mieux étudier, observer, cerner et comprendre l'animal, d'exercer son empathie envers lui.

Avant d'aborder le vif de ce sujet, il me semble en effet important de survoler rapidement le rapport qu'entretient l'homme avec l'animal durant les siècles pré-industriels, ce qui permettra de mieux cerner la remarquable révolution entamée au XIXe siècle par les artistes en général et les sculpteurs en particulier dans leurs abords de l'animal.

L’ abolissement de la hiérarchie des arts est probablement l’une des vertus de l’Art déco dont l’inhumaine de Marcel l’Herbier se fait également le porte-parole.

Chef d'oeuvre de l'Art déco, et je pèse le mot, le film de Marcel l'Herbier est un merveilleux exemple de cette époque de l'entre-deux-guerres où jamais depuis le siècle des Lumières, la société ne s’est retrouvée si près des artistes.

Nous sommes en 1929, les « Charles » reçoivent dans leur hôtel particulier à l'occasion d'un bal qui restera mémorable: le bal des matières.

Loin de rêver aux splendeurs parfois vaines des soirées de la Café Society, les bals donnés par les Noailles sont davantage une apologie des arts qu’une représentation mondaine:

Verticale, minérale, géométrique, brute, viscérale, l’église San Giovanni Battista semble taillée dans la roche comme pour résister à une nature dévastatrice.

Le moteur auquel nous faisons allusion ici n’est pas celui d’un engin de course quelconque mais un moteur électrique développant plus de 700 000 chevaux !!!

Il s’agit des moteurs du paquebot Normandie.

Mis en service en 1935, le Normandie est l’aboutissement d’un projet né en 1920: construire le plus grand et le plus luxueux paquebot n’ayant jamais navigué.

Erich Hermès (1881-1971) et la girafe Lucky au Cirque Knie à Genève en 1960.